보헤미안 랩소디 영화 뒤에 숨은 사운드의 역할 3가지

 

보헤미안 랩소디 영화 포스터

 

보헤미안 랩소디(2018)는 스토리텔링뿐만 아니라 혁신적인 사운드 디자인으로 관객을 사로잡으며 전 세계를 강타했습니다. 관객들에게 영화는 사운드와 음악이 어떻게 결합되어 영화가 끝난 후에도 아주 오랫동안 관객의 기억에 남는 영화적 경험을 만들어내는 걸작 중의 걸작입니다. 이 포스팅에서는 우리는 사운드 디자인의 관점에서 영화를 바라보고, 이 영화가 시장에서 엄청난 흥행 성공에 어떻게 기여했는지 검토해 보겠습니다.

 

사운드 역할 1: 프레디 머큐리의 목소리 재현하기

 

영화 보헤미안 랩소디에서 궁극적인 도전으로 보이는 영화 속 프레디 머큐리의 목소리는 상징적이며, 보헤미안 랩소디 사운드 팀의 핵심 과제는 그 마법에 가까울 과제를 성공적으로 재현하는 일이었습니다. 영화는 주로 라이브 공연에 머큐리의 오리지널 보컬을 사용했지만, 존 워허스트(John Warhurst)가 이끄는 사운드 디자이너는 이를 머큐리의 목소리와 매우 유사한 캐나다 가수 마크 마텔(Marc Martel)의 목소리와 결합했습니다. 영화에서 눈에 띄는 순간 중 하나는 라이브 에이드 퍼포먼스입니다. 전설적인 1985년 콘서트의 에너지를 담아냈을 뿐만 아니라 시청자에게 몰입도 높은 청각 경험을 선사하는 영화 보헤미안 랩소디의 최고 장면이기도 합니다. 사운드 팀은 리버브와 군중 소음을 사용하여 청중을 행사장으로 안내하는 등 Wembley Stadium의 음향을 꼼꼼하게 재현했습니다. 실제 공연 오디오와 스튜디오 녹음을 혼합함으로써 사운드 디자이너는 공연의 감정적 강도를 높일 수 있었고 실제로 Mercury가 살아서 연주하는 듯한 현실감을 느낄 수 있었습니다. 또한 영화는 특히 음악이 나오는 동안 스테레오 및 서라운드 사운드를 재생하여 라이브 콘서트 경험의 느낌을 재현해 냈습니다. 이러한 기술을 통해 시청자는 과거와 현재 사이의 격차를 느끼지 못 한 채 프레디 머큐리를 볼 뿐만 아니라 들을 수 있었습니다. 이는 이 영화가 퀸의 오랜 팬과 일반인 모두에게 잊지 못할 깊은 공감을 불러일으키는 영화 성공이유의 근본이자 핵심 부분입니다.

 

사운드 역할2 : 음악을 넘어 선 소리의 감정적 교류

 

머큐리의 목소리와 퀸의 음악이 영화 보헤미안 랩소디의 스타라고 한다면, 영화의 조용한 순간에 수반되는 미묘한 사운드 디자인은 스토리텔링에서 중요한 역할을 해냅니다. 사운드 디렉터는 음악 그 이상에 중점을 두었습니다. 그들은 정서적 깊이와 성격 변화를 전달하기 위해 영화 전반에 소리로 풍경을 만들어냈습니다. 예를 들어, 머큐리가 자신의 정체성을 놓고 고군분투하고 결국 AIDS 진단을 받는 장면에서는 사운드 디자인이 눈에 띄게 달라집니다. 의도적으로 배경 소음을 줄이고 머큐리의 숨소리, 발자국 소리, 희미한 천의 바스락거리는 소리 등 머큐리의 내부 소리에 초점을 맞췄습니다. 전형인 영화음악의 소리도 없고 과장된 Queen의 사운드스케이프가 없기 때문에 이러한 순간은 더욱 개인적이고 가슴 뭉클해지며, 청중을 더욱 친밀한 방식으로 Mercury의 내면세계로 끌어들입니다. 음악적 장면과 비음악적 장면의 동시에 보여지는 이러한 방식은 머큐리의 이중생활, 즉 공인과 개인의 삶을 반영하는 데 도움이 됩니다. 이러한 방법은 대화나 영상에만 의존하지 않고 이야기의 정서적 영향을 이해하는 데 도움이 되는 강력한 기술입니다. 사운드 디렉터에게 이것은 오디오가 어떻게 내부 어려움을 전달하고 영화에 의미 깊은 장면을 추가할 수 있는지 보여주는 주요 예시라고 할 수 있을 것입니다.

 

사운드 역할 3 : 대화와 음악 간의 원활하고 매끄러운 전환

 

음악가에 대한 성공적인 전기 영화의 특징 중 하나는 대화 장면과 음악 공연을 얼마나 잘 혼합하는지인데, 보헤미안 랩소디는 이 분야에서 탁월합니다. 대사 장면과 본격적인 악보 사이의 전환이 매끄럽게 느껴지며 청중의 참여를 유지하는 자연스러운 흐름을 만들어냅니다. 특히 사운드팀은 밴드가 작곡에 대해 논의하거나 리허설을 하는 장면에서 주변 소음과 배경 음악을 레이어링 하는 데 중점을 두었습니다. 이 기술을 통해 시청자는 향후 히트곡의 일부를 들을 수 있으며 점진적으로 본격적인 공연을 선보일 수 있었습니다. 이는 감정적인 비트를 설정하는 동시에 Queen의 창작 과정을 통해 관객을 이끌어가는 방법이기도 합니다. 예를 들어, 밴드가 보헤미안 랩소디에서 오페라 부분을 처음 실험하는 순간은 영화에서 유쾌하면서도 비판적인 장면에 해당합니다. 여기서 사운드 디자인은 초기 단계의 원본 녹음과 팬들이 알고 사랑하는 세련된 버전을 혼합하는 중요한 역할을 합니다. 사운드 요소의 점진적인 레이어링은 Queen이 웅장한 공연으로 끝날 때까지 노래를 하나씩 구성하는 방식을 따르고 있습니다. 이것이 바로 영화가 큰 반향을 불러일으킬 수 있었던 핵심 요소입니다. 밴드의 천재성을 실시간으로 반영하여 관객이 그들과 함께 창의적이고 유니크한 경험을 공감할 수 있도록 제공해주고 있습니다.

 

결론

 

결론적으로, 영화 Bohemian Rhapsody의 비평적, 상업적 성공의 상당 부분은 흠잡을 데 없는 사운드 디자인 덕분입니다. 프레디 머큐리의 문화적으로 길이 보전될 매혹적인 보컬을 표현함으로써 존중을 보여주고, 사운드스케이프를 통해 감정적 깊이를 창조하고, 대화와 음악을 완벽하게 혼합함으로써 사운드 팀은 영화를 단순한 전기 영화에서 몰입형 청각의 혁신적인 경험으로 끌어올렸습니다. 이 영화는 전 세계적으로 9억 3백만 달러 이상의 수익을 올렸으며, 이는 잘 만들어진 사운드가 영화의 매력을 얼마나 향상할 수 있는지를 잘 보여주고 있습니다. 사운드 디렉터와 오디오 전문가에게 영화 보헤미안 랩소디는 세심한 사운드 제작이 어떻게 훌륭한 영화를 세계적인 문화 신드롬으로 만들 수 있는지 보여주는 고무적이고 아주 흥미로운 사례라고 할 것입니다.